Artistas indígenas de América del Norte redefinen sus propias tradiciones

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Washington, D. C., 15 de noviembre de 2022.- Las tradiciones artísticas de los pueblos indígenas de América del Norte en Estados Unidos, como las de los pueblos de todo el mundo, evolucionaron en gran medida a partir de raíces pragmáticas o espirituales. Aunque todavía se practican las artes tribales tradicionales como la fabricación de joyas, la alfarería, los tejidos o los tótems, los artistas indígenas de América del Norte también exploran nuevos medios y crean obras diversas que desafían la percepción que algunas personas tienen de su cultura.

Muchos amantes del arte están familiarizados con la cerámica ornamental de los indígenas americanos, las mantas con intrincados dibujos y las cestas tejidas. Es posible que los visitantes de los museos hayan visto corazas hechas de madera, hueso y cuero, decoradas con símbolos para conferir mayor protección.

En Estados Unidos hay unas 570 tribus reconocidas por el gobierno federal que hablan distintas lenguas y tienen culturas diferentes, y no es de extrañar que algunos de los artistas de esas tribus creen obras que van más allá de lo tradicional. He aquí una breve exploración de cinco artistas cuyas creaciones amplían la comprensión del género del arte indígena de América del Norte para el espectador:

Edmonia Lewis (1844-1907)
La internacionalmente aclamada Lewis, nacida libre en el norte del Estado de Nueva York, fue la primera escultora profesional negra/indígena (chippewa) de Estados Unidos. Tras completar su formación artística en Estados Unidos, Lewis se trasladó a Roma, donde se unió a una comunidad de artistas estadounidenses.

El Museo Nacional de Historia de la Mujer describe las esculturas neoclásicas de Lewis como representaciones de “historias de mujeres y pueblos indígenas con reverencia y belleza”. Sus obras más conocidas son La muerte de Cleopatra (una escultura monumental que tardó cuatro años en completarse), Agar (que representa una figura bíblica, la sirvienta de la esposa de Abraham, Sara), y una serie de esculturas inspiradas en el poema de Henry Wadsworth Longfellow “La canción de Hiawatha”.

Su obra figura en varios museos estadounidenses, como el Museo Metropolitano de Arte y el Museo Smithsoniano de Arte Americano.

Oscar Howe (1915-1983)
Howe, artista dakotai yanktonai de Dakota del Sur, representó las tradiciones de los indígenas de América del Norte con una estética modernista. Nacido en la reserva Crow Creek, prestó servicio en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial antes de graduarse de la Universidad de Oklahoma. Su peculiar estilo pictórico está marcado por colores vivos, un movimiento dinámico y audaces líneas geométricas. Fue una fuerza en el movimiento de bellas artes de los indígenas de América del Norte, desafiando los conceptos del arte indígena de América del Norte y allanando el camino para los artistas contemporáneos.

El arte de Howe retrata las realidades de su cultura tribal al tiempo que preserva y comunica los valores tradicionales. El crítico de arte Jonathon Keats, en un escrito para la revista “Forbes”, señala que las “líneas rectas de Howe simbolizaban la rectitud y los círculos representaban la unidad armónica”.

Las obras de Howe se han expuesto en todo el mundo y ha ganado numerosos premios a lo largo de su carrera.

Jerome Tiger (1941-1967)
Tiger, un prolífico y autodidacta artista muskogee creek/seminole de Oklahoma, produjo cientos de cuadros en el período comprendido entre 1962 hasta su muerte en 1967. Su carrera comenzó cuando, a instancias de un amigo, envió cuadros al Museo de Arte Philbrook de Tulsa. “El reconocimiento de su talento fue inmediato”, afirma la Sociedad Histórica de Oklahoma.

La obra de Tiger ganó el primer premio en la Exposición Nacional de Arte Indígena Americano celebrada en Oakland (California). Sus pinturas de temas indígenas combinan “una visión espiritual, comprensión humana y virtuosismo técnico”, según el Centro de arte indígena de la zona intermedia de Estados Unidos (Mid-America All-Indian Center) de Wichita (Kansas).

Sus obras en óleo, acuarela, témpera, caseína, lápiz y pluma y tinta se exponen en museos estadounidenses, como el Museo Nacional del patrimonio vaquero y del oeste (Cowboy and Western Heritage Museum) de Oklahoma City y el Museo Nacional Smithsoniano del Indio Americano en Washington. El programa “Arte en las embajadas” del Departamento de Estado de Estados Unidos expone sus obras en el extranjero.

Jeremy Dennis (nacido en 1889)
Dennis es un fotógrafo artístico contemporáneo y miembro del pueblo indígena shinnecock de Southampton (Nueva York). “Mi fotografía explora la identidad indígena, la asimilación cultural y las prácticas tradicionales ancestrales de mi tribu”, afirma.

Crea imágenes cinematográficas (con fotografía digital) que cuestionan y perturban estereotipos perjudiciales, como las representaciones del “noble salvaje” que se ven en las películas. Es importante, dice Dennis, “ofrecer una representación compleja y convincente de los pueblos indígenas”.

Los indígenas de América del Norte “siguen anclados a nuestra tierra por nuestras antiguas historias”, dice Dennis. “La mitología indígena que influye en mi fotografía me permite acceder a las mentes de mis antepasados, incluido el valor que daban a nuestras tierras sagradas”. Al equipar y disponer los modelos para representar esos mitos, me esfuerzo por continuar la tradición de mis antepasados de contar historias y mostrar la santidad de nuestra tierra”. Su obra se puede ver en la exposición “Ciclos de la naturaleza” (Cycles of Nature) en el Museo del río Hudson en Yonkers (Nueva York).

Wendy Red Star (nacida en 1981)
Red Star es una artista multimedia apsáalooke (crow) nacida en Billings (Montana), y afincada en Portland (Oregón). Su fotografía y sus composiciones en collage reconstruyen los relatos históricos desde una perspectiva feminista e indígena.

Los autorretratos de la serie “Feminista apsáalooke” (2016) de Red Star reflejan la herencia crow de la artista y destacan la naturaleza matrilineal de su tribu. La serie 2021 “Amnía” (Eco) de Red Star (obras de archivo de tinta sobre papel montadas sobre tabla) explora la identidad “entrelazando imágenes de archivo y contemporáneas con narraciones históricas”, según el sitio web de Red Star.

Su obra se encuentra en las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno, el Museo Metropolitano de Arte y el Museo Whitney de Arte Americano, así como en muchas otras instituciones.

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